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Eric Rubinstein evoca abstractos paisajes submarinos en sus piezas de vidrio

“Mis obras son instantáneas abstractas de la vida que lucha por sobrevivir bajo la superficie.”

El artista Eric Rubinstein (1956, Nueva York, Estados Unidos) tomó su primer clase de vidrio soplado en 1988 en New York Experimental Glass Workshop, lo que ahora es la Urban Glass, espacio en el que ha estado involucrado activamente como instructor y miembro de la Junta Directiva.

Rubinstein crea fabulosas imágenes abstractas que evocan paisajes submarinos dentro de sus piezas de vidrio soplado. Cada uno de los micro-componentes, los crea a partir de diversas técnicas, en las que el pulido es de las principales.

Sus obras nos hablan de la naturaleza preciosa y nos recuerdan la fragilidad de los mundos submarinos de hoy.

Entrevista

¿Cómo llegaste al vidrio?

Me interesé por el arte desde muy pequeño. Mis padres me llevaban a algunos de los grandes museos de arte de Nueva York, y quizás esas visitas ayudaron a “plantar las semillas”. Obtuve un título en literatura inglesa en el Queens College de la City University of New York, pero también me inscribí en muchas clases de arte cuando estaba en la escuela.

Mi familia era dueña de una pequeña empresa de fabricación de almohadas y trabajé allí durante más de 15 años. Pero mi interés por lo creativo siempre estuvo presente. Por las tardes, luego del trabajo, tomaba clases de arte.

Un día me encontré con un catálogo de clases de arte patrocinadas por la Escuela de Diseño Parsons. Una de las clases que más me llamó la atención fue sobre los conceptos básicos de soplado de vidrio. Parsons co-patrocinaba esta clase con el estudio que entonces se llamaba The New York Experimental Glass Workshop. Estaba ubicado en un barrio del Bajo Manhattan conocido como Little Italy. Me inscribí en la clase y nunca más miré hacia atrás. La misma organización se conoce hoy como UrbanGlass, un centro de renombre mundial para la creación de arte en vidrio que ahora se encuentra en Brooklyn, Nueva York. Esa primera clase fue en febrero de 1988 y en diciembre de 1995 dejé mi trabajo en el negocio de mi familia para convertirme en un artista de vidrio a tiempo completo.

¿Qué es lo que más le gusta del material?

Hay tantas cosas que me encantan del vidrio. Es un material tan difícil de conquistar físicamente. No fui uno de los afortunados para quienes el soplado de vidrio es algo natural, por lo que se requirió una gran concentración y perseverancia para mejorar. Superar las dificultades del material era en sí mismo un motivo para seguir adelante.

Me encanta que el vidrio tenga las propiedades inherentes de transparencia u opacidad, por lo que la luz y el color pueden transmitirse o bloquearse o una combinación de ambos. Es fascinante que se pueda convertir en objetos funcionales o escultóricos. Y cuando el vidrio sale del recocido, se puede seguir transformándolo, con cortes, pulidos, talla y tantas otras técnicas. 

¿Qué te inspira?

Originalmente, los ejercicios básicos asignados por mis maestros eran inspiraciones en sí mismos. Desde muy temprano me encantaba recoger trozos  y recortes de vidrio o de vasijas y meterlos en la masa de vidrio que está en la caña.

Todo esto fue aleatorio al principio, pero comencé a estar intrigado por las posibilidades de combinar y superponer estas piezas de vidrio. La luz, las sombras y los colores que eran evidentes, realmente me llamaron la atención y parecían imágenes abstractas. Al seguir esta forma de trabajar, comencé a notar en mis piezas, una semejanza con el hermoso paisaje submarino de los arrecifes de coral que se ve cuando estaba buceando en aguas tropicales.

Ahora creo que la inspiración se perpetúa mirando el trabajo que he realizado anteriormente. Cuando termino algo con lo que estoy satisfecho, quiero usar colores, formas o técnicas similares de nuevas formas para la siguiente pieza. Las combinaciones parecen evolucionar de una pieza a otra. Por el contrario, si hago una pieza con la que no estoy contento, también aprendo de eso, a no repetir una forma o combinación de colores en trabajos futuros.

La inspiración externa incluye colores o formas que se ven en la naturaleza, o que la humanidad crea en la arquitectura, pinturas, textiles, etc. En realidad, cualquier cosa que me haga detenerme y mirar algo puede ser una inspiración.

¿Qué técnicas usas?

La primera de las dos técnicas principales es el trabajo en caliente. Con el soplado y la masa en caliente, empiezo creando elementos para trabajos futuros haciendo murrinas y varillas con la caña. Estos elementos se combinan, se juntan, se cortan y se generan patrones, luego se recogen nuevamente en la zona de trabajo en caliente y se convierten en objetos gruesos para cortar y tallar.

Originalmente, cuando me decidí por este tema de las imágenes submarinas abstractas, apliqué los componentes entre las capas de grandes piezas. Para mantener la apariencia dimensional, los vidrios debían permanecer muy gruesos y pesados. A medida que he envejecido, mi cuerpo no ha cooperado con la naturaleza extenuante de hacer un trabajo pesado.

Como resultado, los elementos más pequeños utilizados anteriormente como componentes de las piezas más grandes (las partes de la imagen) se convirtieron en el foco de mi trabajo. Comencé a explorar cómo expresarían mis ideas como objetos individuales más pequeños. Corté estos trozos gruesos con una sierra de diamante y luego pulí y pulí planos angulares en ellos. Y a medida que fluían en una nueva dirección, las imágenes concentradas visibles en su interior fueron muy satisfactorias.

Y ahora el trabajo en frío se ha vuelto tan vital como el trabajo en caliente para crear estos nuevos objetos. En última instancia, se pulen hasta obtener un acabado óptico para que visualmente tengan una calidad similar a una gema. Conceptualmente se refieren a la naturaleza preciosa pero ahora muy precaria de los mundos submarinos de hoy. Para mí son instantáneas abstractas de la vida que lucha por sobrevivir bajo la superficie.

¿Podrías nombrar 6 artistas del vidrio que admiras?

Dante Marioni: siempre he admirado a Dante por su magistral uso del material. Emplea las técnicas y se inspira en las cualidades del vidrio italiano. En su propio trabajo, utiliza estas herramientas de maneras que dan como resultado formas modernas originales que son piezas reconocibles de Marioni.

Dale Chihuly: Quizás una opción obvia por la cantidad de su trabajo instalado en todo el planeta. Sin embargo, mi admiración tiene más que ver con su promoción del vidrio entre el público en general. Con sus coloridas y deslumbrantes instalaciones, ha educado a esta audiencia sobre las infinitas posibilidades disponibles para los artistas que utilizan el material. Muchos artistas más jóvenes tal vez no se dan cuenta de hasta qué punto su fuerte presencia les ha abierto indirectamente un espacio para tener carreras viables como vidrieros.

Karen La Monte: Karen es otra vidriera que utilizó las instalaciones de UrbanGlass cuando era una joven artista recién salida de la escuela. Tiene una fuerte determinación de abrir nuevos caminos en las artes del vidrio. Karen se mudó a la República Checa hace muchos años para facilitar su visión de crear representaciones masivas de vestidos históricos en vidrio fundido. Los vestidos están vacíos pero conservan las características fantasmales de sus antiguos ocupantes. De pie o reclinados, podemos sentir la presencia de las mujeres que pueden haberlos usado, pero hace tiempo que se fueron.

Richard Marquis: La calidad lúdica de su trabajo es un placer para la vista. Combina todas las técnicas necesarias de la fabricación de vidrio con referencias coloridas y cautivadoras a la cultura popular. El resultado es una obra escultórica que es inconfundiblemente suya.

Paolo Venini: Realmente fue el maestro del vidrio italiano de mediados de siglo. Junto con diseñadores como Carlo Scarpa, Venini empleó antiguas técnicas italianas y las introdujo en el siglo XX. Al emplear tratamientos de superficie (corte, tallado, etc.) en formas contemporáneas, su trabajo abrió nuevos caminos en la percepción del mundo del diseño de los objetos de vidrio. Venini se destaca fácilmente con los íconos más notables del diseño de mediados de siglo.

Laura de Santillana: nieta de Venini, cuyo cuidadoso uso del color en vasijas sopladas y esculpidas trajo al vidrio las cualidades serenas de los pintores de Color Field, en particular Mark Rothko.

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