El vidrio no deja de sorprenderme con sus infinitas posibilidades. En esta ocasión se transforma en agua a través de las manos de la artista colombiana Marta Isabel Ramírez . Ella logra detener el movimiento y representar la fluidez y la transparencia del agua con un material tan versátil como el vidrio.
La artista explora la capacidad expresiva, otorgándole un movimiento tan real que nos hace dudar…es agua o es vidrio?
Marta Isabel recrea los ” splash” trabajando con la técnica de lampworking con varillas de borosilicato, como si fuese un juego, una danza, ella va dejando que el vidrio se mueva, le da vida para que fluya libremente y lograr así estas formas en las que nos recuerda el carácter líquido del vidrio.
Inspirada por el fotógrafo japonés Shinichi Maruyama, presentó un proyecto sobre el agua y quedó seleccionada por el Corning Museum of Glass a participar de la Residencia Artística en mayo de 2012. Esta experiencia supuso un cambio sustancial en su carrera.
En este completo relato, Marta Isabel Ramírez nos cuenta en detalle todo el proceso:
“Mi encuentro con Corning surge a partir de un viaje que hice en 2011, en donde fui invitada por Amy Schwartz , directora del Estudio, como becaria a tomar un curso de soplete con el Maestro Gianni Toso.
A mi regreso de esa experiencia tan enriquecedora, tuve la gran inspiración de presentarme a la residencia artística de Mayo de 2012. Tenía demasiadas ideas y sueños con el vidrio, así que me arriesgué a intentarlo. No tenía nada que perder, pero sí una oportunidad, aunque remota, pensaba yo, de ganar. Como en efecto sucedió, para mi feliz sorpresa.
Debo decir que esta experiencia partió mi vida profesional en dos. Como aprendizaje, como vivencia a nivel humano, como lugar en donde existen todos los recursos sin límite para desarrollar cualquier proyecto en vidrio, para mí fue un privilegio y una oportunidad única en la vida que ha sido una impronta que ha marcado mi carrera. Regresé a Corning http://www.cmog.org en el verano de 2013 becada nuevamente para un curso de soplete con Emilio Santini y Simone Crestani, y espero seguir teniendo la fortuna de regresar siempre a ese mágico lugar, meca del vidrio en el mundo.
Me pregunto por qué escogí representar el agua como tema para la residencia. Hago una retrospectiva en mi obra a través de los años y descubro que tal vez no es casualidad, que de una u otra manera siempre ha sido un tema recurrente en mi obra, cualquiera sea la técnica que haya usado. En los vitrales siempre he querido hacer diseños muy dinámicos, orgánicos, que de alguna manera remiten al agua. Hay una permanente alusión a lo sinuoso, zigzagueante, a lo fluido, al movimiento. A la gravedad. En los objetos también. Con el uso casi exclusivo del vidrio transparente han sido notorias las referencias al agua. Los nombres de las piezas, sin haberlo hecho de manera consciente, también se refieren al agua:
Agua Molida (1999); Tsunami, 2004; Islas Flotantes (2007); .Lluvia Horizontal (2008); Aguacero (2008); Contenedor de Lágrimas (2011).
Porqué esa obsesión y fascinación por el agua. Es por el agua, o es más bien por representarla. Es toda el agua, o es más bien el agua fragmentada. Desde cuándo esa necesidad de aludir al agua o más bien a su comportamiento?
Vivo en un país tropical, y una característica del trópico es la lluvia. He crecido y vivido en Bogotá, una ciudad lluviosa en extremo. Y la lluvia es un fenómeno lleno de poesía, la poesía que me sugiere verla a través del cristal, las gotas salpicando charcos, el rocío matutino resbalando por las hojas, el destello de luz refractando la imagen a través de una gota suspendida. Tal vez esa es mi inspiración. Hago a continuación referencia a un poema de Julio Cortázar, escritor argentino, llamado “El aplastamiento de las gotas”:
“Yo no sé, mira, es terrible cómo llueve. Llueve todo el tiempo, afuera tupido y gris, aquí contra el balcón con goterones cuajados y duros, que hacen plaf y se aplastan como bofetadas uno detrás de otro, qué hastío. Ahora aparece una gotita en lo alto del marco de la ventana; se queda temblequeando contra el cielo que la triza en mil brillos apagados, va creciendo y se tambalea, ya va a caer y no se cae, todavía no se cae. Está prendida con todas las uñas, no quiere caerse y se la ve que se agarra con los dientes, mientras le crece la barriga; ya es una gotaza que cuelga majestuosa, y de pronto zup, ahí va, plaf, deshecha, nada, una viscosidad en el mármol.
Pero las hay que se suicidan y se entregan enseguida, brotan en el marco y ahí mismo se tiran; me parece ver la vibración del salto, sus piernitas desprendiéndose y el grito que las emborracha en esa nada del caer y aniquilarse. Tristes gotas, redondas inocentes gotas. Adiós gotas. Adiós”
Descubrir este texto me impactó profundamente porque me identifiqué con la parte sensible de ese fenómeno natural que es la lluvia, que a la vez encierra una estética y una poesía realmente inspiradoras.
Así que empecé a tratar de representar esta fracción del agua, este momento suspendido de un fenómeno natural con la técnica que estaba aprendiendo, el lampworking. Y fue entonces cuando me encontré con la obra de Shinichi Maruyama, fotógrafo japonés cuya obra recrea momentos detenidos del agua en movimiento, quien en últimas fue mi inspiración para el proyecto que propuse para la residencia artística.
Fotos de Shinichi Maruyama
Yo quería hacer con el vidrio lo que Maruyama hace con la fotografía: detener el movimiento.
Y al final, hacer con el vidrio un homenaje y una metáfora del agua.
Ahora quiero hablar de la similitud del proceso técnico de mi obra con el proceso natural del surgimiento de un splash de agua. Ambos procesos, tanto en el agua como en el vidrio, parten de una burbuja que al estallarse se deconstruye y se transforma en una especie de filamentos de material. Yo quise con el vidrio simular este proceso natural a partir de transformar una esfera y manipularla para lograr esa representación.
La forma espontanea en que se va dando el proceso constructivo de la obra es, en últimas lo que siempre quise buscar en el performance de la ejecución. Ya que sin pretender una forma preconcebida, yo voy obedeciendo el ritmo natural que me sugiere el vidrio frente a la llama y voy estableciendo esa comunicación de la que he hablado desde el principio.
Además noto que la obra es una obra orgánica, mutable. Porque si se rompe, ya me ha pasado, se puede reconstruir tomando otra forma, evoluciona como el agua en transformación permanente. Así que la obra no es estática. Está hecha de fragmentos caprichosos que la hacen variable y dinámica. La obra tiene además la estética de la imperfección.
También, como en el caso de Maruyama, estas piezas necesitan de la fotografía como complemento de la obra. Ya que la fotografía captura su verdadera esencia y es la que exalta su ambigüedad. A través de las imágenes impresas, es casi imposible definir con exactitud el objeto de la imagen, si es agua o es vidrio. Y esta lectura ambigua es la que yo también quiero lograr.
En el proceso descubrí que eventualmente mi trabajo se ha alejado de su primera inspiración, el trabajo de Maruyama, y empieza a tomar un cauce propio, una propia identidad, y que al final ya no pretende parecerse “a” , sino “ser” por sí mismo, tomar una nueva forma y convertirse en un paisaje diferente: el que está en mi imaginación.
Para finalizar quiero decir que la sensación que he tenido al enfrentarme con esta experiencia me hace concluir que la obra no es solamente el resultado final, no es el objeto que se exhibirá en el pedestal, ya terminado e inmodificable. No. La obra es el proceso mismo, el camino para llegar, la suma de aciertos y errores que me han hecho confirmar que ese diálogo que busco con el vidrio en verdad existe y que al final llegaré a un acuerdo con él.”
Marta Isabel
Marta Isabel tomó contacto con el vidrio de manos del Maestro Guillermo Sicard, mientras cursaba la carrera de Diseño Industrial en la Universidad Nacional de Colombia, en Bogotá, y en ese momento se quedó enamorada de todas las posibilidades del material.
Luego de recibirse, viajó a Italia para profundizar sobre el tema junto al Maestro Augusto Ranocchi, artista integral, escultor y pintor italiano de gran reconocimiento.
Su formación avanzó tomando cursos con grandes maestros como Gero Köellman, Narcissus Quagliata, Mario Maldonado, Gianni Toso, Emilio Santini y Simone Crestani. Aunque su desempeño profesional lo desarrolló de manera autodidacta y en solitario, aprendiendo de la propia experiencia motivada por su búsqueda personal. Siempre investigando y desarrollando maneras de expresase con el vidrio.
Como diseñadora ha producido series de objetos utilitarios, piezas de autor, esculturas, vitrales para grandes y pequeños espacios, incursionando en diferentes técnicas: vitral, vitrofusión, mosaico. A medida que producía objetos de diseño utilitario en series limitadas, tuvo siempre la curiosidad de explorar qué pasaba al otro lado, en el lado del arte, de la pieza única e irrepetible.
PH: Corning Museum of Glass
PH: Corning Museum of Glass
taller de Marta Isabel Ramírez en Bogotá, Colombia.
Marta Isabel Ramírez: “Cuando hace tres años conocí la técnica de lampworking o soplete, descubrí que podía tener un diálogo directo e inmediato con el vidrio, al contrario de lo que ocurre con otras técnicas, en las que los tiempos de trabajo tienen unas secuencias y etapas que obligan a una espera en la que uno no participa. Con el soplete sentí que yo podía tener una comunicación y un control directo con el vidrio.
No me interesa calibrar o diseñar sobre medidas una forma específica. Para mí el vidrio en su estado natural, más orgánico y dinámico, es el medio más elocuente de expresarme.
En este tránsito de querer tener una comunicación directa e íntima con el material, sentí una gran impotencia y frustración al no poder dominar la técnica con maestría y destreza. Ocurre que yo, que en otras ocasiones fui diseñadora de mis piezas, más no siempre hacedora, esta vez sí quería ser artífice de mi propia obra. Así que hice de la dificultad técnica la base de mi inspiración. El vidrio es tan noble, que ha tenido compasión de mí y se ha dejado moldear de una manera generosa. Ha entendido que yo lo que quiero es dejarlo fluir, dejarlo ir por donde él me va mostrando que quiere ir.
Y descubrí paralelamente que yo lo que quería también era ennoblecer el material, no esconderlo ni disimularlo. Yo no quería hacer cosas con vidrio que se pueden hacer en otro material, no quiero hacer en vidrio una tajada de pastel que parezca real, ni un perro que parezca peludo.
No, yo quiero reivindicar las cualidades del vidrio en mi obra. Destacar su transparencia, y resaltar el encanto del no color que al fin y al cabo es la suma de todos los colores.”
PH: Corning Museum of Glass
Diseñadora Industrial de la Universidad Nacional de Colombia.
Ha sido docente en la misma y también de la Universidad de los Andes de Bogotá.
En su obra utiliza el vidrio como medio de expresión y prefiere auto definirse como “vidrio pensadora”, ya que considera su desempeño en este oficio como un híbrido entre el arte y el diseño de autor.
Ha expuesto su obra tanto individualmente como en colectivas, entre las cuales las últimas cuatro versiones del Salón del Fuego en la Gilberto Alzate Avendaño y el Salón Diversidad, Casa Cuadrada, Bogotá COLOMBIA-
Ganadora de una Beca de creación del Ministerio de Cultura 1995 y nominada al Lápiz de Acero 2003 y 2005. Ganadora de la Convocatoria VITRO 2012 Museo del Vidrio MEVIBO. Artista en Residencia en Corning Museum of Glass, NY, en 2012 y Becaria allí mismo en 2011 y Julio de 2013.
Su trabajo ha sido reseñado en diferentes medios escritos como el libro “Diseño en Colombia 2” editado por Prodiseño, “Historia del Diseño en América Latina y el Caribe” de Silvia Fernandez y Gui Bonsiepe, revistas como Axxis, Habitar de Casa Editorial El Tiempo , ACTO de la Universidad Nacional, y catálogos de diversas exposiciones.
Su obra se expone actualmente en la sala Cristal del Museo Virtual del Vidrio de Bogotá y el Portafolio hace parte de la colección permanente de la Rakow Library de Corning, NY.
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